DECISIONES CREATIVAS

Exhibir cualquier trabajo creativo conlleva cierto riesgo. Cualquier persona que tenga una razón para mostrar su trabajo a otros tiene una razón para preocuparse por lo bien que se recibe. Ningún fotógrafo creativo es completamente inmune a preocuparse por esa simple pregunta que requiere consideración antes del lanzamiento de una nueva fotografía: «¿gustará?» Incluso si todo lo que está en juego es un sentimiento de logro, el riesgo es real, especialmente para aquellas fotografías que apreciamos.

Los niveles más altos de riesgo implican decisiones que nos llevan fuera de nuestras normas, ya sean desviaciones de las convenciones de un género en su conjunto o simplemente de las de la propia obra. Una decisión arriesgada podría implicar trabajar en un cierto tipo de luz, presentando una ubicación oscura, componiendo de manera poco convencional, empleando un nuevo tratamiento posterior al procesamiento, o cualquier otra decisión que pueda colocarnos fuera de nuestras zonas de confort. Cuanto más avanzamos en una extremidad, más inquietante puede ser, por lo que tener una voluntad fuerte es importante para dar esos pasos. Lo que sigue son consejos para tomar decisiones creativas arriesgadas con confianza, algunos pensamientos a tener en cuenta cuando sientas que estás volando sin una red.

Adelante y hacia arriba

El riesgo es esencial para el trabajo creativo. Tomar riesgos es cómo progresamos, cómo logramos poner algo de nosotros mismos en nuestras fotografías y cómo podemos obtener ese sabor especial de satisfacción por haberlo hecho. Es muy fácil caer en hábitos que parecen funcionar bien y que se sienten seguros, y a veces esos hábitos pueden volverse limitantes. Por supuesto, hay mucho que decir para alcanzar un punto de cierta consistencia como artista. Establecer lo que nos gusta es crucial para la auto expresión, por lo que la consistencia en un portfolio generalmente indica un cierto nivel de madurez creativa. No obstante, si la consistencia deriva en la repetición habitual, deja de ser autoexpresión; en ese punto, es solo repetir. Cuando te encuentres en una encrucijada preguntándote si deberías ir a lo seguro o arriesgarte en algo, solo recuerda que la última opción es probable que sea más gratificante a largo plazo. Incluso si lo considera un fracaso al principio, su decisión puede ser un primer paso hacia un desarrollo que nunca podría haber imaginado desde el principio.

Tomar una decisión arriesgada puede parecer estar al borde de un abismo, contemplando un salto. Cuando elegís usar una velocidad de obturación rápida para una foto podes sentir una gran ansiedad al respecto, ya que suavizar el agua es la norma para tales sujetos, incluso en mi propia producción. También me arriesgué al elegir un lugar que nunca había visto fotografiado antes.

Moverse hacia…

Probablemente, la razón más poderosa para tomar una decisión creativa inusual es debido a la compulsión de hacerlo. Si realmente nos atrae una idea o al menos tenemos curiosidad por ver los resultados, estamos respondiendo a un impulso interno, siguiendo nuestros propios instintos. La situación opuesta sería tomar la decisión de hacer algo inusual por el mero hecho de la novedad, fijándonos en lo que queremos evitar en lugar de en lo que nos parece interesante. La creatividad es la búsqueda de ideas y la aplicación de ellas, no un simple rechazo de lo que vino antes. Si una decisión arriesgada tiene un atractivo distintivo, entonces al menos sabes que estás siguiendo tu propio corazón cuando la llevas a cabo, y esa es generalmente una razón suficiente para hacerlo.

Estar allí por largo tiempo

Cuando una fotografía se aparta de algún tipo de norma, una parte de su audiencia puede no «captarla». Acepte que la familiaridad es atractiva para la mayoría de las personas, y que no todos los que suelen disfrutar de tus fotografías te animarán con entusiasmo por cualquier camino que puedas abrir. De todos modos, hacer algo poco convencional es valiente, y ese punto en sí mismo debería proporcionar un cierto grado de satisfacción y motivación. Saber que estás siendo fiel a ti mismo es una fuente de poder real que puede continuar impulsándote hacia adelante.

Se honesto contigo mismo

Nunca debemos permitir que una mentalidad de rescate nos convenza de que una foto insatisfactoria es un acto audaz de creatividad.

Las fotos abstractas son las menos probables de cualquier tipo de foto de naturaleza para generar mucho interés. Irónicamente, esta resultó ser una de mis imágenes más populares, pero esperaba todo lo contrario antes de lanzarla. Mis razones para compartirlo fueron muchas, pero la expectativa de éxito no era una de ellas.

Mañana es otro día

Lo que finalmente importa más es el proceso de creación, que para un fotógrafo de naturaleza significa experimentar el aire libre, tener respuestas a esas experiencias y expresar esas respuestas a través de la fotografía. Todo lo que sigue es periférico y no se debe permitir que descarrile el proceso. Como dice el refrán, solo sigue y, sobre todo, recuerda divertirte.

Foto: Sebastian del Val

DESCUBRIMIENTO, REVELACIÓN Y TRANSFORMACIÓN.

La aplicación práctica de la transformación artística a tu fotografía implica un proceso de tres pasos: descubrimiento, revelación y transformación. Este proceso de tres pasos es algo a tener en cuenta a medida que profundizamos en el concepto de visión. Antes de que puedas aplicar con éxito este proceso a tu fotografía, primero tendremos que re calibrar tu matriz perceptiva. Estos tres pasos me permitieron visualizar una fotografía que al  final capturará la belleza del lugar árido por decir alguno, a la vez que atraía visualmente al espectador a explorar la composición.  

¿Cuál es la idea detrás de todo esto?:  No ver tu paisaje literalmente como esta (en este caso, una puesta de sol sobre una salar), sino verlo como una colección de formas, colores, sombras y luces. Cuando comiences a ver de esta manera, todo lo que necesitas hacer es ensamblar los componentes visuales de una manera agradable para producir una atractiva fotografía. 

DESCUBRIMIENTO

La observación de todo comienza con el descubrimiento, que consiste en encontrar un tema que sea único y significativo. A veces me refiero a esto como «la búsqueda de cosas interesantes», pero es mucho más que eso. En cierto nivel, el descubrimiento es la búsqueda de la manifestación del mundo real de la visión artística en tu cabeza. Todo comienza con mover los pies. No puedes sobresalir en la fotografía si te quedas quieto; Si desea tomar excelentes fotos, debe pasar una cantidad significativa de tiempo explorando posibles escenas y temas. Tienes que sumergirte por completo en tu oficio con gran entusiasmo y deleitarte con la alegría de la exploración. A veces, el descubrimiento es bastante obvio, pero el mejor descubrimiento ocurre cuando detectas algo oculto que nadie más nota. En cualquier caso, el descubrimiento es solo el primer paso; solo descubrir algo genial no producirá buenas imágenes por sí misma. 

REVELACIÓN

Para tomar fotografías convincentes, debes hacer más que simplemente apuntar tu cámara hacia un tema interesante. En su lugar, debes esforzarte por revelar la esencia oculta de su tema, contar una historia y forjar un vínculo emocional entre sus fotos y los espectadores. Tienes que esperar esos momentos especiales que dicen algo sobre tu tema y sobre ti como artista. La revelación implica contar la historia de tu tema, utilizando el estado de ánimo y el momento para inspirar a tus espectadores. Esta es a menudo la parte más difícil y menos tangible del proceso. Requiere una sensación intuitiva del momento perfecto para presionar el obturador, y la capacidad de reconocer cuándo surge ese momento mágico. Estudiar y aprender sobre tu tema es fundamental, ya que te permite capturar los momentos más interesantes. Para transformar verdaderamente tu fotografía, debes asumir un papel más activo en el proceso de creación. Lo que nos lleva al paso final. 

 TRANSFORMACION

¿Descubriste algo fotogénico? y ¿descubriste la mejor manera de fotografiar  tu tema de interés?, aún no has terminado. Como paso final, debes participar en el proceso de transformación artística, interpretar creativamente tu tema e imponer tu propia visión artística mediante el uso de la perspectiva, la exposición, la composición, los filtros, la luz y el momento. Ten el coraje de probar algo fuera de lo común y esfuérzate por presentar tu tema de una manera que los espectadores no hayan visto antes. toma decisiones creativas con respecto a tu perspectiva y posición,  la elección de la lente, la exposición y el balance de blancos. En muchos de estos casos, te debes desviar  intencionalmente de la «sabiduría convencional» para crear un aspecto artístico para tu foto final.  Por ejemplo sobreexponer ligeramente los aspectos más destacados de la imagen y selecciona un balance de blancos cálido para crear un aspecto misterioso para tu foto. Para mí, esta está podría ser  la mejor manera de contar la historia de mi tema e imponer mi visión artística en la escena.  La transformación es mi paso favorito, esto es lo bueno y lo que separa a los fotógrafos principiantes de los avanzados.  

Foto: Sebastian del Val

MAS ALLÁ DE LA CONFIGURACIÓN Y EL EQUIPO

– TRADUCIDO Y ADAPTADO DE MITCH GREEN

Durante la cuarentena, muchos fotógrafos de paisajes que normalmente estarían viajando por el mundo y liderando talleres se han encontrado encerrados en casa. Lejos de su elemento natural de trabajo y con una gran cantidad de tiempo libre, se han unido al circuito en línea de seminarios web de fotografía, paneles, entrevistas, etc.

Para las personas que todavía están refinando su propio enfoque en la fotografía, ha sido genial escuchar sus historias. Para aprender cómo los maestros del oficio crearon su mejor trabajo. Cómo volvieron una y otra vez por la luz perfecta, cómo enmarcaron la escena, para conocer y apreciar mejor cómo se compuso la imagen o por qué aplicaron ciertas técnicas de postprocesamiento.

Luego, cuando terminan de presentar, comienzan las preguntas. Algunos de ellos son geniales, profundizando aún más en la creación de ciertas imágenes. Pero luego suceden las típicas preguntas que TODOS hicimos alguna vez: ¿Con qué apertura fotografiaste esta imagen? ¿Por qué sigues usando la marca X, cuando la marca Y tiene todas estas excelentes características?

Saber el tono correcto de azul no nos ayudará a pintar como Picasso. Tampoco conocer la marca de guitarra de Brian May nos permitirá crear solos épicos. ¿por qué entonces en fotografía nos enfocamos tanto en los detalles finos detrás de un gran trabajo? Es natural querer mejorar nuestra técnica para crear un trabajo más fuerte e impactante. Pero raramente buscar la configuración óptima o poseer el equipo más avanzado hace que nuestras imágenes sean «mejores». Pero Sí!, la configuración es importante: los reflejos apagados y los objetos borrosos son objetivamente indeseables, pero aprender como evitarlos puede investigarse en internet y (relativamente) aplicarse y refinarse rápidamente.

Si los fotógrafos de paisajes que recien empiezan escuchan que se tomó una imagen impresionante a 14 mm, ISO 100, ½ seg, f / 8 en una lente de $ 2000 + f / 2.8, entonces lo peor que pueden hacer es buscar aplicar esas mismas configuraciones en el mismo equipo la próxima vez que salgan a disparar. Es valioso saber que f / 8 es más nítido que f / 16. Pero, ¿qué sucede si intentas disparar para crear el efecto de un sol con forma de estrella, o si hay un primer plano cercano que no es propicio para que quede en foco? ¿Qué sucede si la luz es fugaz, por lo que optas por un ISO alto para capturar la escena en la mano en lugar de perder el tiempo con un trípode? Son matices como estos que a menudo se pasan por alto al priorizar la nitidez óptima, pero ofrecen resultados más sólidos que las imágenes técnicamente perfectas. Cuando nos enfocamos en la lente más nítida, el trípode más resistente o al calcular la distancia hiperfocal, prestamos menos atención al paisaje en sí. Nuestra atención es un recurso limitado. Guárdalo para el paisaje, para la luz, para crear composiciones fuertes.

Inviertí en aprendizaje y desarrollo

Cuando dejamos de actualizar nuestra cámara cada dos años, cuando dejamos regodearnos sobre esa nueva lente f / 1.4 prime, podemos invertir (tanto nuestras finanzas como nuestro tiempo) en nuestro propio desarrollo. Considera pagar un vídeo tutorial de un fotógrafo al que admires y te muestre años de habilidades de procesamiento resumidas en 90 minutos. O emprendé esa aventura fotográfica dedicada con la que has estado soñando. Mirá estas compras como inversiones en tu aprendizaje de las que te beneficiarás en los próximos años. En lugar de pasar horas mirando o revisando las páginas de reseñas de equipo y materiales fotográficos, usa ese tiempo para ampliar tu propia visión como artista.

A menudo se genera creatividad cuando formamos nuevas conexiones entre conceptos dispares: cuando ampliamos nuestra base de conocimiento, ampliamos nuestros horizontes creativos. La próxima vez que fotografíes una escena de bosque, puedes optar por incluir hojas borrosas para que actúen como un marco suave alrededor del sujeto (en lugar de estresarse para que todos los elementos se queden enfocados). O considera salir a disparar al mediodía (y no solo al amanecer / atardecer porque alguien dijo que solo había buena luz a la hora dorada) para experimentar cómo la luz se filtra a través de los arboles.

Si bien a menudo hay una superposición entre el dominio técnico y las imágenes impresionantes, garantizar que la primera funcione, no garantiza la segunda. Las especificaciones de equipamiento y tecnología son importantes (por supuesto que lo son), pero ese no es el punto. El punto es dejar de ver estas herramientas y configuraciones como las únicas claves para un gran trabajo. Es el lugar, el encuadre, la luz, la estación, el ángulo, el procesamiento hábil: estos son los elementos de una excelente fotografía de paisajes. En lugar de preguntarle a un fotógrafo por la ubicación exacta de una imagen, pregúnteles por qué se sintieron atraídos por ese lugar, ¿regresaron bajo diferentes luces o estaciones cambiantes? En lugar de preguntar qué apertura usaron para hacer que toda la imagen fuera tan nítida, pregunta por qué incluyeron esos elementos de primer plano en primer lugar, ¿excluyeron otras características que se distrajeron de la escena? Cuando hacemos preguntas más allá del equipo y la configuración, no solo aprendemos más sobre cómo se creó la imagen, sino que también encontramos que las respuestas son infinitamente más interesantes.

Foto: Sebastian del Val

ERRORES MAS COMUNES AL REVELAR y EDITAR FOTOS

Del mismo modo que en la fotografía química se empleaban diferentes técnicas de revelado para variar los efectos del negativo, las imágenes digitales también suelen Revelarse para conseguir un resultado más acorde a nuestras expectativas. Normalmente, los ajustes básicos de edición suelen estar bastante claros, pero quizá no tanto los errores más comunes.

La propia experiencia suele ser el indicador más valioso para encontrar la mejor forma de editar imágenes. Practicar con distintas fotos es el aprendizaje más valioso para elegir qué valores son los más adecuados para esa instantánea, ya que cada una requerirá de diferentes valores para que ésta se ajuste a lo que deseamos.

Hoy en día, aprender fotografía no abarca únicamente el proceso de captar imágenes, el de la edición es otro campo que se ha convertido en necesario. No obstante, cuando somos novatos en este campo solemos cometer una serie de fallos que podemos evitar.

Utilizar JPEG
Aunque pueda parecer algo obvio, cuando nuestra idea es la de editar imágenes siempre debemos optar por el RAW en lugar del JPEG. Optar por el archivo “bruto” en lugar del comprimido nos permite tener más datos y por lo tanto también más cantidad de información, algo nos afecta a la hora de intentar recuperar las altas luces o las sombras. Eso sí, como consecuencia de ello ese archivo ocupará más tamaño, por lo que quizá podríamos necesitar alguna tarjeta adicional si nuestra intención es la de tomar una gran cantidad de imágenes.

No cambiar el perfil de color
Suele ser un error a la hora de exportar la imagen. En ocasiones los colores no se corresponden con los que veíamos mientras editábamos esa instantánea, algo causado por utilizar un perfil de color inadecuado para el lugar donde se va a visualizar. Es decir, la mayoría de monitores suelen aceptar el perfil de color sRGB, por lo que si exportamos esa imagen en Adobe RGB u otro, su tonalidad no coincidirá con la pre visualización del software de edición. Si usamos Photoshop, para cambiarlo solo debemos ir a edición – convertir en perfil, y allí seleccionar el que deseamos.

Excesivo enfoque
Utilizar herramientas para enfocar puede ser positivo, pero hasta cierto punto. De hecho, si empleamos en exceso funciones como “claridad” de Lightroom, es probable que se generen unos halos indeseados en los bordes de los objetos, algo que nos otorga como resultado un resultado artificial. Asimismo, cuando enfocamos en exceso también podemos provocar que los tonos de la imagen no se muestren de una forma degradada, sino por capas. Esto es algo especialmente nocivo cuando tenemos un cielo con un atardecer o amanecer, donde un gran enfoque puede arruinar su amplia variedad de tonos.

No «Leer» el histograma
El histograma es como la radiografía de nuestra imagen. Dicen que lo más indicado es tener una curva en forma de campana de gauss, aunque eso no se puede aplicar a todas las instantáneas. Así, el histograma puede ser una ayuda para encontrar aquel ajuste que la foto requiere. Si no llega a los extremos, quizá necesite más contraste; o si se sitúa demasiado a la derecha, puede que requiera disminuir varios pasos de exposición y así recuperar algo de información en la toma.

Asimismo, el histograma no solo se puede vigilar en el momento de la edición, de hecho ya existen muchas cámaras que poseen la función de incorporar un histograma en vivo para, en el momento de la toma, valorar la exposición de esa imagen.

Abusar de efectos
El viñeteado tampoco debe ser un efecto a evitar, de hecho puede ayudarnos a crear la sensación de inmersión si oscurecemos los bordes de la instantánea. Sin embargo, abusar de este efecto puede otorgarnos un resultado artificial y muy poco profesional.

Asimismo, también puede ocurrir algo similar con la saturación. Abusar de ella genera unos colores demasiado irreales, similares a los excesivos HDR que en ocasiones suponen ser todo un atentado visual.

¿Filtros y Presets?
Podemos encontrar acciones o filtros que de manera automática se apliquen a nuestras fotos ¿debemos usarlos? Sí, pero no debemos quedarnos ahí. El filtro debe ser la base sobre la que sentar nuestro revelado digital, ya que no todas las fotos se adaptan de la misma forma a un efecto. Por lo tanto, dependerá de nosotros ajustar correctamente ese filtro para lograr que luzca de la mejor forma posible.

Foto: Sebastian del Val 2020

COMO LA FOTOGRAFÍA DE NATURALEZA NOS TRANSFORMA

– TRADUCIDO Y ADAPTADO DE ERIN BABNIK 2015

Las fotógrafas y los fotógrafos de naturaleza que más admiro parecen tener un cierto rango de cualidades en común, hábitos y características que seguramente juegan un papel importante en permitir que estos fotógrafos produzcan imágenes atractivas de manera regular. Lo que sigue es mi intento de identificar cuáles pueden ser las siete cualidades que la naturaleza nos produce y explicar por qué creo que son virtudes importantes para cualquier fotógrafo de paisajes y fauna. Estas virtudes son respeto, curiosidad, flexibilidad, paciencia, velocidad, integridad y coraje.


El respeto

Con la naturaleza como nuestro tema, los fotógrafos tienen el deber especial de respetarla. El sentido común dicta que debemos proteger lo que sea esencial para nuestros propios objetivos, pero respetar la naturaleza va más allá de la conservación y la defensa, por importantes que sean. Desarrollar una relación con la naturaleza es como desarrollar una relación con una persona; Cuanto más esfuerzo hagas para conocer a una persona, mejor podrás empatizar con esa persona y profundizar tus lazos mutuos. Respetar la naturaleza significa verla como un socio en lugar de como un trofeo o un reino para ser conquistado, y lograr este nivel de respeto nos permite ver y comprender la naturaleza de maneras que no solo conducen a grandes experiencias personales, sino que en última instancia benefician el proceso creativo también.

Curiosidad

El fotógrafo curioso se aventurará más lejos, mirará más de cerca y experimentará más fácilmente. La curiosidad es la calidad que nos hace descubrir cómo puede verse una locación desde un punto de vista diferente, durante una hora diferente del día o en una estación diferente. Es la curiosidad la que nos hace encontrar los detalles más pequeños de la naturaleza que pueden pasarse por alto fácilmente. Cuando estamos en el campo o en el proceso de desarrollo, la curiosidad nos llevará a probar diferentes técnicas y reflexionar sobre nuestras decisiones estilísticas. Estar intrigado por nuestro entorno y nuestras propias ideas es lo que conduce a la exploración, el descubrimiento, la experimentación y el crecimiento creativo.

Flexibilidad

La naturaleza es notoriamente caprichosa, teniendo el cambio como su única constante. Si estás dispuesto a adaptarte a las condiciones y aprovechar al máximo lo que la naturaleza le brinde, entonces el mundo es un salón de juegos. Estar demasiado obsesionado con un resultado específico puede hacernos perder oportunidades, por lo que si bien es extremadamente útil visualizar previamente el potencial de una ubicación y un conjunto de condiciones, también debemos estar preparados para adaptar o incluso abandonar esas ideas como otras oportunidades.

Paciencia

Un fotógrafo amigo mío una vez compartió este diálogo que tuvo con un turista que pasaba mientras estaba parado detrás de su trípode un día.

Caminante: ‘Parece que estás esperando que algo suceda’.

Fotógrafo: ‘Si, en eso estoy’.

Caminante: ‘Ajá, ¿qué es entonces?’

Fotógrafo: ‘No lo sé. Aún no ha sucedido ‘.

A veces, simplemente mirar y esperar permite que las oportunidades y las ideas se unan de manera fructífera. Puede ser muy gratificante permanecer en un lugar por un tiempo y ver qué sorpresas puede traer el clima en rápido movimiento, qué cambios pueden tener lugar, o cómo un bosque podría transformarse a medida que la niebla o la luz cambian en él. Si bien la tentación puede ser grandiosa para tomar tantas composiciones como sea posible, ese enfoque a menudo da como resultado muchas imágenes a las que les falta algo, falta esa confluencia especial de tiempo y lugar que resulta de permitir que la magia llegue a vos y estés listo para cuando lo hace.

Velocidad

En el otro lado de la moneda, la paciencia es la velocidad, la capacidad de responder rápidamente a las oportunidades y pensar rapido. Después de esperar pacientemente un momento mágico, es posible que finalmente llegue repentinamente y, con demasiada frecuencia, en una situación que requiera una carrera loca, un cambio rápido de lente, una gran cantidad de revisiones a la configuración de la cámara o todo lo anterior . Ser capaz de responder rápidamente a las efímeras a menudo puede marcar la diferencia entre un gran disparo y un gran recuerdo.

Integridad

En pocas palabras, como fotógrafos creativos, es importante que nos mantengamos fieles a nuestro propio arte. Llega un momento después de que alcanzamos una determinada etapa de desarrollo creativo en el que tenemos la opción de hacer lo que más nos interesa, o bien hacer lo que creemos que interesará más a otras personas. Naturalmente, cualquier fotógrafo que comparta o muestre sus fotografías se preocupa por cómo serán recibidas, de lo contrario se las guardaría para sí mismas, pero preocuparse por esas opiniones no significa necesariamente atenderlas.

Valor

Los fotógrafos de paisajes a menudo se encuentran en áreas silvestres, en tierras extranjeras, en condiciones climáticas extremas, en los bordes de los acantilados, cerca del oleaje o incluso en todas estas situaciones a la vez. Los peligros de trabajar al aire libre son muchos, por lo que es necesario tener precaución y sentido común, y cuando se cumplan esos requisitos, encontrar el coraje para continuar. Quizás aún más coraje sea necesario para lo que sigue, sin embargo. Puede requerir una gran valentía tomar decisiones creativas que sean arriesgadas, experimentar con nuevas ideas y ubicaciones, y liberar

Ph. Sebastian del Val

QUE ES LA «VISIÓN» EN FOTOGRAFÍA

– TRADUCIDO Y ADAPTADO DE ALAIN BRIOT 2013

La visión es el arte de ver lo que es invisible para los demás.

Jonathan Swift

La inspiración enciende la chispa de la creatividad. Juntos, si están bien integrados, la inspiración y la creatividad dan como resultado una Visión Personal para tu trabajo fotográfico.

Tu visión, cuando se expresa con éxito, resultan en el logro de un estilo personal.

La visión es un tema que rara vez se discute en fotografía; Sin embargo, como veremos, es un tema muy importante porque sin visión un artista creará fotografías comunes. Pueden ser las fotografías técnicamente más perfectas que uno puede tomar, pero seguirán siendo fotografías comunes. Con visión, tus fotografías van más allá de ser simples imágenes comunes, se convierten en transportadores de ideas.

¿Qué es la visión?

La visión es el arte de ver lo invisible. A este respecto, la visión no es solo ver, no es solo ‘vista’. Es la capacidad de ver algo que solo tú puedes ver, algo que otros no ven porque este algo no tiene una realidad física. Es algo que ves en el ojo de tu mente, algo que existe en tu imaginación, algo que está dentro de ti.

Una visión es algo abstracto: una idea o un concepto. La visión se hace realidad a través del trabajo creativo. En fotografía se hace realidad mediante la creación de fotografías que expresan su visión. El objetivo de estas fotografías es compartir sus ideas, sus conceptos, en resumen tu visión, con tu audiencia.

Una visión puede surgir en cualquier campo del esfuerzo humano. En lo que respecta a la fotografía, la visión se hace realidad a través de las fotografías que creas. Cuán clara es tu visión y qué tan cerca siguen tus fotografías esta visión, define cuán exitoso serás en transmitir tu visión a los demás.

La visión es inspiración hecha realidad. Está usando la fotografía para expresar algo que de otra manera sería invisible. La visión es hacer poesía con fotografías. Va más allá del conocimiento técnico del medio y alcanza el nivel artístico. Va más allá del dominio del medio y alcanza la improvisación y la auto expresión.

Encontrar y expresar tu visión puede ser un proceso desafiante. Debido a que tu visión es algo que es invisible para los demás, es un proceso que tiene que pasar esencialmente solo.

La visión exige un compromiso inquebrantable con tu arte. También exige que pueda respaldar este compromiso con el trabajo porque solo a través del trabajo podrá compartir tu visión con los demás y, por lo tanto, demostrar que está realmente comprometido con esta visión.

La visión es mensaje. No es solo crear una imagen, sino crear una historia a través de esta imagen. Este mensaje puede ser sobre compartir una emoción, un sentimiento, una creencia o una forma particular de mirar el mundo. No se trata solo de compartir una imagen con tu audiencia. También se trata de compartir el significado de esta imagen con tu audiencia. Esta imagen significa algo para ti. Esta imagen contiene no solo objetos, personas y características. También contiene ideas que representan tu visión.

Sin visión, una imagen es solo una imagen. Con la visión, una imagen se convierte en el vehículo que lleva tus ideas a tu audiencia.

Monument Valley, Alain Briot