DECISIONES CREATIVAS

Exhibir cualquier trabajo creativo conlleva cierto riesgo. Cualquier persona que tenga una razón para mostrar su trabajo a otros tiene una razón para preocuparse por lo bien que se recibe. Ningún fotógrafo creativo es completamente inmune a preocuparse por esa simple pregunta que requiere consideración antes del lanzamiento de una nueva fotografía: «¿gustará?» Incluso si todo lo que está en juego es un sentimiento de logro, el riesgo es real, especialmente para aquellas fotografías que apreciamos.

Los niveles más altos de riesgo implican decisiones que nos llevan fuera de nuestras normas, ya sean desviaciones de las convenciones de un género en su conjunto o simplemente de las de la propia obra. Una decisión arriesgada podría implicar trabajar en un cierto tipo de luz, presentando una ubicación oscura, componiendo de manera poco convencional, empleando un nuevo tratamiento posterior al procesamiento, o cualquier otra decisión que pueda colocarnos fuera de nuestras zonas de confort. Cuanto más avanzamos en una extremidad, más inquietante puede ser, por lo que tener una voluntad fuerte es importante para dar esos pasos. Lo que sigue son consejos para tomar decisiones creativas arriesgadas con confianza, algunos pensamientos a tener en cuenta cuando sientas que estás volando sin una red.

Adelante y hacia arriba

El riesgo es esencial para el trabajo creativo. Tomar riesgos es cómo progresamos, cómo logramos poner algo de nosotros mismos en nuestras fotografías y cómo podemos obtener ese sabor especial de satisfacción por haberlo hecho. Es muy fácil caer en hábitos que parecen funcionar bien y que se sienten seguros, y a veces esos hábitos pueden volverse limitantes. Por supuesto, hay mucho que decir para alcanzar un punto de cierta consistencia como artista. Establecer lo que nos gusta es crucial para la auto expresión, por lo que la consistencia en un portfolio generalmente indica un cierto nivel de madurez creativa. No obstante, si la consistencia deriva en la repetición habitual, deja de ser autoexpresión; en ese punto, es solo repetir. Cuando te encuentres en una encrucijada preguntándote si deberías ir a lo seguro o arriesgarte en algo, solo recuerda que la última opción es probable que sea más gratificante a largo plazo. Incluso si lo considera un fracaso al principio, su decisión puede ser un primer paso hacia un desarrollo que nunca podría haber imaginado desde el principio.

Tomar una decisión arriesgada puede parecer estar al borde de un abismo, contemplando un salto. Cuando elegís usar una velocidad de obturación rápida para una foto podes sentir una gran ansiedad al respecto, ya que suavizar el agua es la norma para tales sujetos, incluso en mi propia producción. También me arriesgué al elegir un lugar que nunca había visto fotografiado antes.

Moverse hacia…

Probablemente, la razón más poderosa para tomar una decisión creativa inusual es debido a la compulsión de hacerlo. Si realmente nos atrae una idea o al menos tenemos curiosidad por ver los resultados, estamos respondiendo a un impulso interno, siguiendo nuestros propios instintos. La situación opuesta sería tomar la decisión de hacer algo inusual por el mero hecho de la novedad, fijándonos en lo que queremos evitar en lugar de en lo que nos parece interesante. La creatividad es la búsqueda de ideas y la aplicación de ellas, no un simple rechazo de lo que vino antes. Si una decisión arriesgada tiene un atractivo distintivo, entonces al menos sabes que estás siguiendo tu propio corazón cuando la llevas a cabo, y esa es generalmente una razón suficiente para hacerlo.

Estar allí por largo tiempo

Cuando una fotografía se aparta de algún tipo de norma, una parte de su audiencia puede no «captarla». Acepte que la familiaridad es atractiva para la mayoría de las personas, y que no todos los que suelen disfrutar de tus fotografías te animarán con entusiasmo por cualquier camino que puedas abrir. De todos modos, hacer algo poco convencional es valiente, y ese punto en sí mismo debería proporcionar un cierto grado de satisfacción y motivación. Saber que estás siendo fiel a ti mismo es una fuente de poder real que puede continuar impulsándote hacia adelante.

Se honesto contigo mismo

Nunca debemos permitir que una mentalidad de rescate nos convenza de que una foto insatisfactoria es un acto audaz de creatividad.

Las fotos abstractas son las menos probables de cualquier tipo de foto de naturaleza para generar mucho interés. Irónicamente, esta resultó ser una de mis imágenes más populares, pero esperaba todo lo contrario antes de lanzarla. Mis razones para compartirlo fueron muchas, pero la expectativa de éxito no era una de ellas.

Mañana es otro día

Lo que finalmente importa más es el proceso de creación, que para un fotógrafo de naturaleza significa experimentar el aire libre, tener respuestas a esas experiencias y expresar esas respuestas a través de la fotografía. Todo lo que sigue es periférico y no se debe permitir que descarrile el proceso. Como dice el refrán, solo sigue y, sobre todo, recuerda divertirte.

Foto: Sebastian del Val

DESCUBRIMIENTO, REVELACIÓN Y TRANSFORMACIÓN.

La aplicación práctica de la transformación artística a tu fotografía implica un proceso de tres pasos: descubrimiento, revelación y transformación. Este proceso de tres pasos es algo a tener en cuenta a medida que profundizamos en el concepto de visión. Antes de que puedas aplicar con éxito este proceso a tu fotografía, primero tendremos que re calibrar tu matriz perceptiva. Estos tres pasos me permitieron visualizar una fotografía que al  final capturará la belleza del lugar árido por decir alguno, a la vez que atraía visualmente al espectador a explorar la composición.  

¿Cuál es la idea detrás de todo esto?:  No ver tu paisaje literalmente como esta (en este caso, una puesta de sol sobre una salar), sino verlo como una colección de formas, colores, sombras y luces. Cuando comiences a ver de esta manera, todo lo que necesitas hacer es ensamblar los componentes visuales de una manera agradable para producir una atractiva fotografía. 

DESCUBRIMIENTO

La observación de todo comienza con el descubrimiento, que consiste en encontrar un tema que sea único y significativo. A veces me refiero a esto como «la búsqueda de cosas interesantes», pero es mucho más que eso. En cierto nivel, el descubrimiento es la búsqueda de la manifestación del mundo real de la visión artística en tu cabeza. Todo comienza con mover los pies. No puedes sobresalir en la fotografía si te quedas quieto; Si desea tomar excelentes fotos, debe pasar una cantidad significativa de tiempo explorando posibles escenas y temas. Tienes que sumergirte por completo en tu oficio con gran entusiasmo y deleitarte con la alegría de la exploración. A veces, el descubrimiento es bastante obvio, pero el mejor descubrimiento ocurre cuando detectas algo oculto que nadie más nota. En cualquier caso, el descubrimiento es solo el primer paso; solo descubrir algo genial no producirá buenas imágenes por sí misma. 

REVELACIÓN

Para tomar fotografías convincentes, debes hacer más que simplemente apuntar tu cámara hacia un tema interesante. En su lugar, debes esforzarte por revelar la esencia oculta de su tema, contar una historia y forjar un vínculo emocional entre sus fotos y los espectadores. Tienes que esperar esos momentos especiales que dicen algo sobre tu tema y sobre ti como artista. La revelación implica contar la historia de tu tema, utilizando el estado de ánimo y el momento para inspirar a tus espectadores. Esta es a menudo la parte más difícil y menos tangible del proceso. Requiere una sensación intuitiva del momento perfecto para presionar el obturador, y la capacidad de reconocer cuándo surge ese momento mágico. Estudiar y aprender sobre tu tema es fundamental, ya que te permite capturar los momentos más interesantes. Para transformar verdaderamente tu fotografía, debes asumir un papel más activo en el proceso de creación. Lo que nos lleva al paso final. 

 TRANSFORMACION

¿Descubriste algo fotogénico? y ¿descubriste la mejor manera de fotografiar  tu tema de interés?, aún no has terminado. Como paso final, debes participar en el proceso de transformación artística, interpretar creativamente tu tema e imponer tu propia visión artística mediante el uso de la perspectiva, la exposición, la composición, los filtros, la luz y el momento. Ten el coraje de probar algo fuera de lo común y esfuérzate por presentar tu tema de una manera que los espectadores no hayan visto antes. toma decisiones creativas con respecto a tu perspectiva y posición,  la elección de la lente, la exposición y el balance de blancos. En muchos de estos casos, te debes desviar  intencionalmente de la «sabiduría convencional» para crear un aspecto artístico para tu foto final.  Por ejemplo sobreexponer ligeramente los aspectos más destacados de la imagen y selecciona un balance de blancos cálido para crear un aspecto misterioso para tu foto. Para mí, esta está podría ser  la mejor manera de contar la historia de mi tema e imponer mi visión artística en la escena.  La transformación es mi paso favorito, esto es lo bueno y lo que separa a los fotógrafos principiantes de los avanzados.  

Foto: Sebastian del Val

MAS ALLÁ DE LA CONFIGURACIÓN Y EL EQUIPO

– TRADUCIDO Y ADAPTADO DE MITCH GREEN

Durante la cuarentena, muchos fotógrafos de paisajes que normalmente estarían viajando por el mundo y liderando talleres se han encontrado encerrados en casa. Lejos de su elemento natural de trabajo y con una gran cantidad de tiempo libre, se han unido al circuito en línea de seminarios web de fotografía, paneles, entrevistas, etc.

Para las personas que todavía están refinando su propio enfoque en la fotografía, ha sido genial escuchar sus historias. Para aprender cómo los maestros del oficio crearon su mejor trabajo. Cómo volvieron una y otra vez por la luz perfecta, cómo enmarcaron la escena, para conocer y apreciar mejor cómo se compuso la imagen o por qué aplicaron ciertas técnicas de postprocesamiento.

Luego, cuando terminan de presentar, comienzan las preguntas. Algunos de ellos son geniales, profundizando aún más en la creación de ciertas imágenes. Pero luego suceden las típicas preguntas que TODOS hicimos alguna vez: ¿Con qué apertura fotografiaste esta imagen? ¿Por qué sigues usando la marca X, cuando la marca Y tiene todas estas excelentes características?

Saber el tono correcto de azul no nos ayudará a pintar como Picasso. Tampoco conocer la marca de guitarra de Brian May nos permitirá crear solos épicos. ¿por qué entonces en fotografía nos enfocamos tanto en los detalles finos detrás de un gran trabajo? Es natural querer mejorar nuestra técnica para crear un trabajo más fuerte e impactante. Pero raramente buscar la configuración óptima o poseer el equipo más avanzado hace que nuestras imágenes sean «mejores». Pero Sí!, la configuración es importante: los reflejos apagados y los objetos borrosos son objetivamente indeseables, pero aprender como evitarlos puede investigarse en internet y (relativamente) aplicarse y refinarse rápidamente.

Si los fotógrafos de paisajes que recien empiezan escuchan que se tomó una imagen impresionante a 14 mm, ISO 100, ½ seg, f / 8 en una lente de $ 2000 + f / 2.8, entonces lo peor que pueden hacer es buscar aplicar esas mismas configuraciones en el mismo equipo la próxima vez que salgan a disparar. Es valioso saber que f / 8 es más nítido que f / 16. Pero, ¿qué sucede si intentas disparar para crear el efecto de un sol con forma de estrella, o si hay un primer plano cercano que no es propicio para que quede en foco? ¿Qué sucede si la luz es fugaz, por lo que optas por un ISO alto para capturar la escena en la mano en lugar de perder el tiempo con un trípode? Son matices como estos que a menudo se pasan por alto al priorizar la nitidez óptima, pero ofrecen resultados más sólidos que las imágenes técnicamente perfectas. Cuando nos enfocamos en la lente más nítida, el trípode más resistente o al calcular la distancia hiperfocal, prestamos menos atención al paisaje en sí. Nuestra atención es un recurso limitado. Guárdalo para el paisaje, para la luz, para crear composiciones fuertes.

Inviertí en aprendizaje y desarrollo

Cuando dejamos de actualizar nuestra cámara cada dos años, cuando dejamos regodearnos sobre esa nueva lente f / 1.4 prime, podemos invertir (tanto nuestras finanzas como nuestro tiempo) en nuestro propio desarrollo. Considera pagar un vídeo tutorial de un fotógrafo al que admires y te muestre años de habilidades de procesamiento resumidas en 90 minutos. O emprendé esa aventura fotográfica dedicada con la que has estado soñando. Mirá estas compras como inversiones en tu aprendizaje de las que te beneficiarás en los próximos años. En lugar de pasar horas mirando o revisando las páginas de reseñas de equipo y materiales fotográficos, usa ese tiempo para ampliar tu propia visión como artista.

A menudo se genera creatividad cuando formamos nuevas conexiones entre conceptos dispares: cuando ampliamos nuestra base de conocimiento, ampliamos nuestros horizontes creativos. La próxima vez que fotografíes una escena de bosque, puedes optar por incluir hojas borrosas para que actúen como un marco suave alrededor del sujeto (en lugar de estresarse para que todos los elementos se queden enfocados). O considera salir a disparar al mediodía (y no solo al amanecer / atardecer porque alguien dijo que solo había buena luz a la hora dorada) para experimentar cómo la luz se filtra a través de los arboles.

Si bien a menudo hay una superposición entre el dominio técnico y las imágenes impresionantes, garantizar que la primera funcione, no garantiza la segunda. Las especificaciones de equipamiento y tecnología son importantes (por supuesto que lo son), pero ese no es el punto. El punto es dejar de ver estas herramientas y configuraciones como las únicas claves para un gran trabajo. Es el lugar, el encuadre, la luz, la estación, el ángulo, el procesamiento hábil: estos son los elementos de una excelente fotografía de paisajes. En lugar de preguntarle a un fotógrafo por la ubicación exacta de una imagen, pregúnteles por qué se sintieron atraídos por ese lugar, ¿regresaron bajo diferentes luces o estaciones cambiantes? En lugar de preguntar qué apertura usaron para hacer que toda la imagen fuera tan nítida, pregunta por qué incluyeron esos elementos de primer plano en primer lugar, ¿excluyeron otras características que se distrajeron de la escena? Cuando hacemos preguntas más allá del equipo y la configuración, no solo aprendemos más sobre cómo se creó la imagen, sino que también encontramos que las respuestas son infinitamente más interesantes.

Foto: Sebastian del Val

ERRORES MAS COMUNES AL REVELAR y EDITAR FOTOS

Del mismo modo que en la fotografía química se empleaban diferentes técnicas de revelado para variar los efectos del negativo, las imágenes digitales también suelen Revelarse para conseguir un resultado más acorde a nuestras expectativas. Normalmente, los ajustes básicos de edición suelen estar bastante claros, pero quizá no tanto los errores más comunes.

La propia experiencia suele ser el indicador más valioso para encontrar la mejor forma de editar imágenes. Practicar con distintas fotos es el aprendizaje más valioso para elegir qué valores son los más adecuados para esa instantánea, ya que cada una requerirá de diferentes valores para que ésta se ajuste a lo que deseamos.

Hoy en día, aprender fotografía no abarca únicamente el proceso de captar imágenes, el de la edición es otro campo que se ha convertido en necesario. No obstante, cuando somos novatos en este campo solemos cometer una serie de fallos que podemos evitar.

Utilizar JPEG
Aunque pueda parecer algo obvio, cuando nuestra idea es la de editar imágenes siempre debemos optar por el RAW en lugar del JPEG. Optar por el archivo “bruto” en lugar del comprimido nos permite tener más datos y por lo tanto también más cantidad de información, algo nos afecta a la hora de intentar recuperar las altas luces o las sombras. Eso sí, como consecuencia de ello ese archivo ocupará más tamaño, por lo que quizá podríamos necesitar alguna tarjeta adicional si nuestra intención es la de tomar una gran cantidad de imágenes.

No cambiar el perfil de color
Suele ser un error a la hora de exportar la imagen. En ocasiones los colores no se corresponden con los que veíamos mientras editábamos esa instantánea, algo causado por utilizar un perfil de color inadecuado para el lugar donde se va a visualizar. Es decir, la mayoría de monitores suelen aceptar el perfil de color sRGB, por lo que si exportamos esa imagen en Adobe RGB u otro, su tonalidad no coincidirá con la pre visualización del software de edición. Si usamos Photoshop, para cambiarlo solo debemos ir a edición – convertir en perfil, y allí seleccionar el que deseamos.

Excesivo enfoque
Utilizar herramientas para enfocar puede ser positivo, pero hasta cierto punto. De hecho, si empleamos en exceso funciones como “claridad” de Lightroom, es probable que se generen unos halos indeseados en los bordes de los objetos, algo que nos otorga como resultado un resultado artificial. Asimismo, cuando enfocamos en exceso también podemos provocar que los tonos de la imagen no se muestren de una forma degradada, sino por capas. Esto es algo especialmente nocivo cuando tenemos un cielo con un atardecer o amanecer, donde un gran enfoque puede arruinar su amplia variedad de tonos.

No «Leer» el histograma
El histograma es como la radiografía de nuestra imagen. Dicen que lo más indicado es tener una curva en forma de campana de gauss, aunque eso no se puede aplicar a todas las instantáneas. Así, el histograma puede ser una ayuda para encontrar aquel ajuste que la foto requiere. Si no llega a los extremos, quizá necesite más contraste; o si se sitúa demasiado a la derecha, puede que requiera disminuir varios pasos de exposición y así recuperar algo de información en la toma.

Asimismo, el histograma no solo se puede vigilar en el momento de la edición, de hecho ya existen muchas cámaras que poseen la función de incorporar un histograma en vivo para, en el momento de la toma, valorar la exposición de esa imagen.

Abusar de efectos
El viñeteado tampoco debe ser un efecto a evitar, de hecho puede ayudarnos a crear la sensación de inmersión si oscurecemos los bordes de la instantánea. Sin embargo, abusar de este efecto puede otorgarnos un resultado artificial y muy poco profesional.

Asimismo, también puede ocurrir algo similar con la saturación. Abusar de ella genera unos colores demasiado irreales, similares a los excesivos HDR que en ocasiones suponen ser todo un atentado visual.

¿Filtros y Presets?
Podemos encontrar acciones o filtros que de manera automática se apliquen a nuestras fotos ¿debemos usarlos? Sí, pero no debemos quedarnos ahí. El filtro debe ser la base sobre la que sentar nuestro revelado digital, ya que no todas las fotos se adaptan de la misma forma a un efecto. Por lo tanto, dependerá de nosotros ajustar correctamente ese filtro para lograr que luzca de la mejor forma posible.

Foto: Sebastian del Val 2020

COMO LA FOTOGRAFÍA DE NATURALEZA NOS TRANSFORMA

– TRADUCIDO Y ADAPTADO DE ERIN BABNIK 2015

Las fotógrafas y los fotógrafos de naturaleza que más admiro parecen tener un cierto rango de cualidades en común, hábitos y características que seguramente juegan un papel importante en permitir que estos fotógrafos produzcan imágenes atractivas de manera regular. Lo que sigue es mi intento de identificar cuáles pueden ser las siete cualidades que la naturaleza nos produce y explicar por qué creo que son virtudes importantes para cualquier fotógrafo de paisajes y fauna. Estas virtudes son respeto, curiosidad, flexibilidad, paciencia, velocidad, integridad y coraje.


El respeto

Con la naturaleza como nuestro tema, los fotógrafos tienen el deber especial de respetarla. El sentido común dicta que debemos proteger lo que sea esencial para nuestros propios objetivos, pero respetar la naturaleza va más allá de la conservación y la defensa, por importantes que sean. Desarrollar una relación con la naturaleza es como desarrollar una relación con una persona; Cuanto más esfuerzo hagas para conocer a una persona, mejor podrás empatizar con esa persona y profundizar tus lazos mutuos. Respetar la naturaleza significa verla como un socio en lugar de como un trofeo o un reino para ser conquistado, y lograr este nivel de respeto nos permite ver y comprender la naturaleza de maneras que no solo conducen a grandes experiencias personales, sino que en última instancia benefician el proceso creativo también.

Curiosidad

El fotógrafo curioso se aventurará más lejos, mirará más de cerca y experimentará más fácilmente. La curiosidad es la calidad que nos hace descubrir cómo puede verse una locación desde un punto de vista diferente, durante una hora diferente del día o en una estación diferente. Es la curiosidad la que nos hace encontrar los detalles más pequeños de la naturaleza que pueden pasarse por alto fácilmente. Cuando estamos en el campo o en el proceso de desarrollo, la curiosidad nos llevará a probar diferentes técnicas y reflexionar sobre nuestras decisiones estilísticas. Estar intrigado por nuestro entorno y nuestras propias ideas es lo que conduce a la exploración, el descubrimiento, la experimentación y el crecimiento creativo.

Flexibilidad

La naturaleza es notoriamente caprichosa, teniendo el cambio como su única constante. Si estás dispuesto a adaptarte a las condiciones y aprovechar al máximo lo que la naturaleza le brinde, entonces el mundo es un salón de juegos. Estar demasiado obsesionado con un resultado específico puede hacernos perder oportunidades, por lo que si bien es extremadamente útil visualizar previamente el potencial de una ubicación y un conjunto de condiciones, también debemos estar preparados para adaptar o incluso abandonar esas ideas como otras oportunidades.

Paciencia

Un fotógrafo amigo mío una vez compartió este diálogo que tuvo con un turista que pasaba mientras estaba parado detrás de su trípode un día.

Caminante: ‘Parece que estás esperando que algo suceda’.

Fotógrafo: ‘Si, en eso estoy’.

Caminante: ‘Ajá, ¿qué es entonces?’

Fotógrafo: ‘No lo sé. Aún no ha sucedido ‘.

A veces, simplemente mirar y esperar permite que las oportunidades y las ideas se unan de manera fructífera. Puede ser muy gratificante permanecer en un lugar por un tiempo y ver qué sorpresas puede traer el clima en rápido movimiento, qué cambios pueden tener lugar, o cómo un bosque podría transformarse a medida que la niebla o la luz cambian en él. Si bien la tentación puede ser grandiosa para tomar tantas composiciones como sea posible, ese enfoque a menudo da como resultado muchas imágenes a las que les falta algo, falta esa confluencia especial de tiempo y lugar que resulta de permitir que la magia llegue a vos y estés listo para cuando lo hace.

Velocidad

En el otro lado de la moneda, la paciencia es la velocidad, la capacidad de responder rápidamente a las oportunidades y pensar rapido. Después de esperar pacientemente un momento mágico, es posible que finalmente llegue repentinamente y, con demasiada frecuencia, en una situación que requiera una carrera loca, un cambio rápido de lente, una gran cantidad de revisiones a la configuración de la cámara o todo lo anterior . Ser capaz de responder rápidamente a las efímeras a menudo puede marcar la diferencia entre un gran disparo y un gran recuerdo.

Integridad

En pocas palabras, como fotógrafos creativos, es importante que nos mantengamos fieles a nuestro propio arte. Llega un momento después de que alcanzamos una determinada etapa de desarrollo creativo en el que tenemos la opción de hacer lo que más nos interesa, o bien hacer lo que creemos que interesará más a otras personas. Naturalmente, cualquier fotógrafo que comparta o muestre sus fotografías se preocupa por cómo serán recibidas, de lo contrario se las guardaría para sí mismas, pero preocuparse por esas opiniones no significa necesariamente atenderlas.

Valor

Los fotógrafos de paisajes a menudo se encuentran en áreas silvestres, en tierras extranjeras, en condiciones climáticas extremas, en los bordes de los acantilados, cerca del oleaje o incluso en todas estas situaciones a la vez. Los peligros de trabajar al aire libre son muchos, por lo que es necesario tener precaución y sentido común, y cuando se cumplan esos requisitos, encontrar el coraje para continuar. Quizás aún más coraje sea necesario para lo que sigue, sin embargo. Puede requerir una gran valentía tomar decisiones creativas que sean arriesgadas, experimentar con nuevas ideas y ubicaciones, y liberar

Ph. Sebastian del Val

IDEAS PARA SABER SI UNA FOTO ESTA LISTA PARA VER LA LUZ

– TRADUCIDO Y ADAPTADO DE ERIN BABNIK 2018

12 fotografías por año es una buena cosecha.

-Ansel Adams.

El acelerado mundo del intercambio de fotos en línea y las comodidades del desarrollo digital se han combinado para fomentar una producción cada vez más rápida y frecuente de fotografías, esto hace muy probable que favorezca la cantidad sobre la calidad. De hecho, la mayoría de las plataformas de redes sociales dan a las fotografías una vida útil de unas 24 horas antes de que los algoritmos las entierren en la oscuridad de ayer. Este ciclo vertiginoso puede crear un sentido de urgencia para los fotógrafos, aumentando la tentación de llenar el vacío dejado por cada fotografía ‘caducada’ lo más rápido posible.

Aunque a menudo escuchamos consejos de que es bueno para los fotógrafos ‘ralentizar’ en el momento de la toma con el fin de asegurarnos que estamos haciendo la mejor foto que podemos, el mismo concepto no siempre sirve en los procesos de auto-curación y desarrollo de imágenes. En la era actual de la ‘creación de contenido’ vertiginosa, incluso los fotógrafos más ambiciosos pueden tirar la paciencia por la ventana después de llegar a casa con una buena cantidad de fotos nuevas en la bolsa. Hay mucho que ganar por ser un artista productivo, pero es igual de beneficioso ser crítico, lanzando nuevas fotografías sólo cuando les has dado el OK! definitivo en tu selección. Pasar por los siguientes pasos que detallo mas adelante con cada nueva foto podría ayudarte a nutrir tu propio desarrollo creativo y a poner tu mejor trabajo con cada nueva adición a tu portafolio.

Míralo con ojos frescos

Las impresiones de una experiencia en el campo pueden distorsionar la forma en que vemos una nueva fotografía, lo que a veces nos hace pasar por alto problemas estéticos. Mi preferencia es poner una nueva fotografía en dos etapas de ‘incubación’, una después de cargarla por primera vez en una computadora y luego nuevamente después de revelarla. Incluso un breve descanso de un día o dos puede ser extremadamente útil, permitiendo que la mente gane suficiente distancia de la experiencia en el campo o del proceso de desarrollo para ejercer un buen juicio.

Busca la crítica

Obtener comentarios honestos es para los fotógrafos oro puro, pero puede ser difícil encontrar a alguien del calibre adecuado que tenga el tiempo y la inclinación para comentar cuidadosamente. Existen numerosos foros en línea y grupos de redes sociales donde se alienta la crítica, y muchos de ellos tienen miembros que son fotógrafos consumados con una inclinación por ayudar a los demás. La crítica útil incluye comentarios sobre la estética, así como sobre el contenido y el desarrollo del portafolio. Asegúrate de llevar todo a bordo con una mente abierta, y aceptar que los puntos de desacuerdo pueden ser muy valiosos para ayudarte a afirmar decisiones creativas por ti mismo. Cuanto más personal sea su fotografía, menos podrás obtener de la crítica, pero incluso buscar comentarios de calidad de forma poco frecuente pueden ser beneficiosos para ayudarte a ver hilos de desarrollo o momentos de deriva creativa.

Marcha a tu propio ritmo

Si bien Ansel Adams decía que una buena cosecha anual son 12 fotos!, esto es algo que solo nosotros podemos controlar, pero como dice el dicho: «a veces menos, es mas», y en la fotografía de paisajes esto es muy importante, por que corremos el riesgo de que nuestras mejores fotos queden o pasen desapercibidas en medio de otras que no estén a la altura de tu trabajo.

Lamentablemente el ritmo frenético de las redes a veces no obliga a tener que publicar mas asiduamente, por esto, creo que dos fotos mensuales es un numero adecuado en caso de no necesitar tener que vender un producto fotográfico, caso contrario, seguramente la cantidad sera mayor y ahí es cuando debemos ser muy cuidadosos en la selección que realicemos.

Cono de Arita, Ph. Sebastian del Val

COMO CREAR FOTOS DE PAISAJES MAS IMPACTANTES

– TRADUCIDO Y ADAPTADO DE Christian Hoiberg 2019

La composición es uno de los factores más importantes para crear fotos impactantes y memorables. No importa cuán fascinantes sean las condiciones; Las imágenes que carecen de una composición sólida tienen menos probabilidades de ser recordadas. La fotografía de paisajes ha cambiado mucho durante los últimos años e incluso podría ser justo decir que el término se ha vuelto demasiado amplio, ya que hay muchos subgéneros y estilos dentro de él. Sin embargo, las imágenes impactantes tienen una cosa en común: cuentan una historia.

Estas imágenes generalmente se basan en un paisaje dramático con cielos rojos oscuros o condiciones de ensueño. Las imágenes exitosas en este género se encuentran entre las imágenes más impresionantes de la fotografía de paisajes, pero la mayoría de ellas no hacen más que hacer que te detengas por unos segundos. Luego están las imágenes sutiles; Imágenes que generalmente se vuelven menos ‘virales’ pero que te hacen volver una y otra vez. Estos son los tipos de imágenes que te gustaría tener colgando en la pared y que revelan un poco más de su historia cada vez que las miras.

Entonces, ¿cómo se pueden crear imágenes más impactantes?

Eso depende. Al final del día, depende de tu visión y estilo de fotografía, pero aquí hay algunos consejos para empezar:


1. Introducir efecto de profundidad en tus fotos:

Dar una sensación tridimensional a un marco bidimensional es uno de los mayores desafíos de la fotografía, pero es una excelente manera de invitar al espectador a la foto. Cuando se hace bien, puede ayudar a separar excelentes fotos del resto.

Existen muchos métodos y técnicas para introducir profundidad en sus fotos, pero la aplicación depende de la escena, el tema y la visión.

Las técnicas de composición, como encontrar lineas que dirigen la mirada, son excelentes para crear profundidad, especialmente cuando se usa una lente gran angular. Las líneas no necesitan ser muy visibles y podrían, por ejemplo, consistir en elementos en primer plano que conducen hacia el sujeto principal de la foto.

Introducir la profundidad es un paso importante para capturar imágenes más impactantes, independientemente de la técnica o el enfoque que sigas.

ph. Christian Hoiberg


2. Aislar elementos dentro del marco:

Es comprensible (y tal vez en nuestra naturaleza) que queremos mostrar el magnífico paisaje en su totalidad, pero rara vez es la mejor solución. Incluir todo se convierte en demasiado y resulta en la composición que se pierde en el proceso.

Es por eso que es buena idea aislar sólo unos pocos elementos y centrarse en ellos en su lugar.

Al eliminar elementos que no se agregan a la foto, el espectador crea su propia historia alrededor de la imagen; Esto puede hacer que vuelvan a tu imagen una y otra vez.

ph. Sebastian del Val

3. Utiliza Ajustes de color para mejores composiciones

No es ningún secreto que el color es importante en la fotografía, ya sea que esté muy saturado o en blanco y negro. De hecho, el uso correcto de los colores puede ser una de las formas más eficaces de crear imágenes más impactantes.

No voy a ir demasiado a la teoría del color (ya que es un tema increíblemente complejo) pero es un tema que usted debe estudiar y familiarizarte. Aprender cómo los colores funcionan juntos y cómo puedes ajustar los colores y su saturación con el fin de guiar al espectador a través de una imagen.

Por ejemplo, una técnica compositiva increíblemente poderosa es aumentar la saturación de la imagen hacia el sujeto principal (es decir, bajar saturación en primer plano y una mayor saturación hacia el centro).

Esto se puede hacer fácilmente en la edición de la foto con Photoshop.

Ph. Sebastian del Val

4. La luz es clave

El uso de la luz es otro elemento clave para crear imágenes más impactantes.

A menudo se dice que los fotógrafos de paisajes deben limitarse a sólo fotografiar durante la Hora Dorada, ya que es cuando la luz es suave y ‘en su mejor momento’. Si bien este es sin duda un buen momento para captar la luz suave, está lejos de ser el único momento en que puede capturar imágenes con buena luz.

Buena luz se puede encontrar en cualquier momento del día. Todo depende de lo que estés fotografiando y de cómo ataques la luz.

Un día cualquiera con nubes y unos buenos rayos de luz entrando por alguna ventana son a veces suficientes.

ph. Christian Hoiberg

5. Tener una conexión más profunda con el paisaje

Mi consejo final para capturar imágenes más impactantes podría ser el más importante de todos ellos (a pesar de que uno a menudo se descuida): hacer fotos para uno mismo sin pensar en las redes sociales y en el publico.

Ciertos tipos de imágenes tienden a llamar más la atención en las redes, por lo que no es de extrañar que muchos se olviden de conectarse con el entorno y en su lugar terminan ‘copiando’ o imitando imágenes populares. Sin duda puede ser un pequeño impulso de ego para ver como los «Likes» aumentan, pero las imágenes que se hacen con la intención de conseguir más likes rara vez son tan impactantes como aquellas en las que el artista tiene una conexión con el entorno.

Yo diría que conectar con el paisaje va a mejorar tu fotografía en general; te obliga a bajar la velocidad, apreciar el entorno y echarle un vistazo más de cerca. Se vuelve más analítico en su enfoque de la composición y aprenderás rápidamente a transmitir mejor una escena.

Imitar tomas exitosas puede ser útil cuando estás aprendiendo los fundamentos, pero aprenderás mucho más al salir a buscar lo que te inspira.

Foto: Juan Pablo Bassi @jpbassi

QUE ES LA «VISIÓN» EN FOTOGRAFÍA

– TRADUCIDO Y ADAPTADO DE ALAIN BRIOT 2013

La visión es el arte de ver lo que es invisible para los demás.

Jonathan Swift

La inspiración enciende la chispa de la creatividad. Juntos, si están bien integrados, la inspiración y la creatividad dan como resultado una Visión Personal para tu trabajo fotográfico.

Tu visión, cuando se expresa con éxito, resultan en el logro de un estilo personal.

La visión es un tema que rara vez se discute en fotografía; Sin embargo, como veremos, es un tema muy importante porque sin visión un artista creará fotografías comunes. Pueden ser las fotografías técnicamente más perfectas que uno puede tomar, pero seguirán siendo fotografías comunes. Con visión, tus fotografías van más allá de ser simples imágenes comunes, se convierten en transportadores de ideas.

¿Qué es la visión?

La visión es el arte de ver lo invisible. A este respecto, la visión no es solo ver, no es solo ‘vista’. Es la capacidad de ver algo que solo tú puedes ver, algo que otros no ven porque este algo no tiene una realidad física. Es algo que ves en el ojo de tu mente, algo que existe en tu imaginación, algo que está dentro de ti.

Una visión es algo abstracto: una idea o un concepto. La visión se hace realidad a través del trabajo creativo. En fotografía se hace realidad mediante la creación de fotografías que expresan su visión. El objetivo de estas fotografías es compartir sus ideas, sus conceptos, en resumen tu visión, con tu audiencia.

Una visión puede surgir en cualquier campo del esfuerzo humano. En lo que respecta a la fotografía, la visión se hace realidad a través de las fotografías que creas. Cuán clara es tu visión y qué tan cerca siguen tus fotografías esta visión, define cuán exitoso serás en transmitir tu visión a los demás.

La visión es inspiración hecha realidad. Está usando la fotografía para expresar algo que de otra manera sería invisible. La visión es hacer poesía con fotografías. Va más allá del conocimiento técnico del medio y alcanza el nivel artístico. Va más allá del dominio del medio y alcanza la improvisación y la auto expresión.

Encontrar y expresar tu visión puede ser un proceso desafiante. Debido a que tu visión es algo que es invisible para los demás, es un proceso que tiene que pasar esencialmente solo.

La visión exige un compromiso inquebrantable con tu arte. También exige que pueda respaldar este compromiso con el trabajo porque solo a través del trabajo podrá compartir tu visión con los demás y, por lo tanto, demostrar que está realmente comprometido con esta visión.

La visión es mensaje. No es solo crear una imagen, sino crear una historia a través de esta imagen. Este mensaje puede ser sobre compartir una emoción, un sentimiento, una creencia o una forma particular de mirar el mundo. No se trata solo de compartir una imagen con tu audiencia. También se trata de compartir el significado de esta imagen con tu audiencia. Esta imagen significa algo para ti. Esta imagen contiene no solo objetos, personas y características. También contiene ideas que representan tu visión.

Sin visión, una imagen es solo una imagen. Con la visión, una imagen se convierte en el vehículo que lleva tus ideas a tu audiencia.

Monument Valley, Alain Briot

CÓMO CUENTAS HISTORIAS LAS FOTOGRAFÍAS DE PAISAJE

– TRADUCIDO Y ADAPTADO DE ERIN BABNIK 2015 (WWW.ERINBABNIK.COM)

Cuando una fotografía representa a una persona, es probable que sugiera historias de una manera bastante directa. Una persona que aparece dentro de una escena se leerá fácilmente como protagonista de la historia, y los detalles en la imagen ayudarán a establecer los hilos de la narración. Incluso las fotografías que contienen solo indicios de actividad humana pueden expresar historias con relativa claridad; La inclusión de un vehículo, una tienda de campaña o una pertenencia personal de cualquier tipo puede proporcionar una serie de pistas para suponer las circunstancias de una escena, los eventos que pueden haberlos precedido y los eventos que probablemente seguirán. Pero, ¿qué pasa con las fotografías que no presentan indicios de presencia humana o incluso animales en escenarios identificables? ¿Cómo cuentan historias?
Mientras que las imágenes con figuras, tanto humanas como animales, tienen el potencial de narrar literalmente, aquellas que muestran características naturales exclusivamente tienden a requerir más interpretación, una diferencia no muy diferente de la prosa y la poesía. Las fotografías de paisajes generalmente cuentan sus historias con relativa sutileza, ambigüedad, apertura y misterio, pero, sin embargo, son capaces de narrar. Si no encontramos nada significativo en una atractiva fotografía de paisaje, es solo porque no hemos considerado las implicaciones de lo que hace que atraiga nuestra atención.
las imágenes de paisajes pueden comunicar historias en al menos tres niveles diferentes: lo natural, lo personal y lo metafórico.
La fotografía al final del texto que va como ejemplo muestra una escena del desierto, justo después de una tormenta. La vista presenta una playa con amplias grietas de barro, que yace bajo un cielo oscuro y lleno de nubes. Formando un arco a través de la oscuridad, un arco iris lleno brota de una cresta de montaña a la izquierda para abrir el desierto a la derecha. En primer plano, dos grietas especialmente anchas en la playa dominan la tierra salpicada de lluvia, cada una curvada hacia adentro desde cualquier lado del marco y haciendo eco de la forma del arco iris sobre ellas. Esta simple descripción identifica las características esenciales de la fotografía, pero omite cualquier intento de explicación o interpretación. Al reducir una foto a sus atributos descriptivos, se pierden esas cualidades que hacen que las fotografías de paisajes sean especiales como representantes de una forma de arte que combina vistas ‘encontradas’ con experiencias y expresiones personales. Aunque puede ocurrir inconscientemente, las ideas sobre una fotografía de paisaje eventualmente se presentarán al espectador interesado, lo que afectará la conexión que el espectador tendrá con ella. Las siguientes tres categorías exploran algunas de las formas en que una fotografía puede transmitir esas ideas y, por lo tanto, sugerir historias.

EL NIVEL NATURAL
Cualquier fotografía de naturaleza cuenta una historia de la creación, una sobre los procesos naturales que estaban trabajando en la formación de las características geológicas representadas. En el caso de la playa del desierto, la depresión en forma de cuenco con su patrón de grietas que se extiende por la superficie evidencia la evaporación de un lago poco profundo que alguna vez existió en este lugar. Lo que originalmente era sedimento fangoso del lecho del lago se ha contraído y agrietado a través del proceso de desecación después de que se evaporó el último agua. El arcoíris, como indicador tanto del sol como de la lluvia, demuestra el papel que juega el clima al afectar la topografía del área: la lluvia creó el lago y luego el sol hizo que desapareciera. Estos eventos son capítulos distintos en una historia que está en perpetuo progreso.

EL NIVEL PERSONAL
Mientras que una fotografía puede omitir personas dentro de ella, una persona siempre está implicada por el mero hecho de haberla creado, osea, el fotografo. Detrás de cada imagen de paisaje hay una historia de su creación, incluso si esa historia nunca acompaña a la imagen en forma escrita. Al mirar la fotografía de la escena del desierto, un espectador podría adivinar mucho sobre la experiencia del fotógrafo en ese momento: esta persona viajó a un área remota, caminó hasta un lecho seco del lago, probablemente se mojó un poco por la lluvia, y luego se sintió Tratado con el espectáculo de un arco iris lleno. Cualquiera que haya visitado un área similar o haya sido testigo de condiciones similares podrá proyectar detalles adicionales en la historia basados ​​en la experiencia personal, mientras que otros pueden embellecer la narración con detalles derivados puramente de una imaginación vívida. La historia podría concebirse como una de gran aventura, de lucha personal o de simples placeres, pero independientemente de cuán bien cualquiera de estas ideas pueda coincidir con las circunstancias reales de la creación de la fotografía, aún forman parte de su historia para el espectador. Quien los imagina en este sentido, el espectador ocupa mentalmente el espacio del fotógrafo, y los dos se eluden como ese individuo implicado que no aparece en ninguna parte de la imagen y, sin embargo, sirve como su protagonista.

EL NIVEL METAFORICO
El poder simbólico de las características naturales les permite sugerir historias de una calidad más atemporal y universal. Si bien el simbolismo puede ser culturalmente relevante, las realidades de la naturaleza brindan experiencias que las personas de todo el mundo tienden a compartir y comprender de manera similar. Por ejemplo, un arco iris puede tener diferentes connotaciones espirituales o políticas en diferentes culturas, pero la mayoría de la gente lo entenderá como un fenómeno que ocurre cuando se desata una tormenta y el sol comienza a brillar, por lo que es probable que se registre como algo que marca el final De una experiencia difícil y como heraldo del cambio positivo. Como mínimo, un arco iris representa algo muy efímero, una maravilla que dura poco tiempo y siempre es fresca y nueva. En la fotografía del desierto, el arco iris aparece alineado con rasgos mucho más antiguos, las grietas en la superficie de la playa que se asemejan a la forma del arco iris. Para el espectador dispuesto a reflexionar sobre esto, esta coincidencia puede sugerir una historia de renacimiento o renovación: el pasado fracturado versus un futuro brillante. Alternativamente, podría sugerir una feliz simbiosis entre viejos y jóvenes, una encapsulación del ciclo de la vida o una epifanía que revela una conexión entre ideas dispares. Existen muchas más posibilidades de interpretación, y cualquiera de ellas puede resonar sin la necesidad de pasar por ningún tipo de análisis deliberado; a veces simplemente sabemos que una foto nos está ‘hablando’, sin ser plenamente conscientes de lo que está diciendo.

Pensar en las fotografías como portadoras de significado puede no ser necesario para la creación o el disfrute de ellas, pero puede ser muy valioso en cualquier caso.
Para el fotógrafo, reflexionar sobre las historias que puede sugerir una ubicación puede ayudar con el proceso creativo, tanto en el campo como durante el desarrollo de la imagen. La interpretación también puede ayudar con el proceso de auto curación, ya que las imágenes que parecen narrar con mayor claridad son a menudo las que tienen mayor interés visual.
Para el espectador, tomarse un momento para considerar las posibles narrativas de una fotografía ralentizará el proceso de visualización, permitiendo una mayor apreciación de lo que una imagen tiene para ofrecer, que es infinitamente más gratificante que tener reacciones instintivas mientras consume imágenes que pasan rápidamente en frente de sus ojos.

Ph.: Erin Babnik

LA NECESIDAD DE CONSTRUIR UNA RELACIÓN CON EL PAISAJE

– TRADUCIDO Y ADAPTADO DE ROBERT SALISBURY PHOTOGRAPHY, 21 JUNIO 2020.

Necesitamos tener intimidad con un paisaje para poder sacar lo mejor de él.
Creo que a menudo necesitamos al menos dos visitas a cualquier área potencial: la primera es ver su potencial e intentar comprender qué puede ser posible, saber qué funcionará y qué no. El segundo es donde realmente intentaremos fotografiar y aprovechar la esencia del lugar, ya equipados con un punto de vista más refinado debido a la exploración inicial.
Construir relaciones es clave para todo lo que hacemos en la vida. En el caso de las amistades y la familia, tenemos que invertir el tiempo para permitir que la relación florezca y se profundice. Lo mismo es cierto para la fotografía de paisajes. A medida que pasamos más tiempo en ciertos lugares, la relación se profundiza. Comenzamos a entenderlos de maneras que el observador casual no podría.
Es similar a conocer gente por primera vez; aunque podríamos tener una avalancha de nuevas impresiones y observaciones, la relación aún es demasiado joven para conocerlas realmente.
Estar rodeado de actitudes saludables y personas positivas es un ingrediente para una vida feliz, del mismo modo, al elegir los paisajes a fotografiar es vital seleccionar aquellos que nos impactan personalmente, y así poder desarrollar la propia creatividad interna.
No te dará su alma en tu primera visita, y parte de la diversión está en el viaje de descubrimiento.
Al igual que una relación fuerte y saludable, la intimidad proviene de la confianza y el respeto, y es la recompensa para el tiempo dedicado a conocerse. También es vital poder reconocer la química. Esa chispa inicial que se puede sentir al ver un nuevo lugar por primera vez que te dice que hay potencial para algunas buenas fotos es una ventaja importante para los fotógrafos de naturaleza.
En los últimos años he visitado muchos paisajes nuevos, y solo con unos pocos he sentido ese deseo de regresar. Escucha tu intuición, incluso si no entiendes por qué, y vuelve a esos lugares que te intrigan y te atraen las veces que ese llamado se haga presente en tu cabeza.

Esperando el atardecer en Los Colorados, de camino a Tolar Grande.